8 Muss

Auf der Suche nach den besten Galerieausstellungen in den Vereinigten Staaten reiste Galerie jeden Monat von New York City nach Chicago und Los Angeles, um die besten Einzelausstellungen für Oktober zu finden. Von Beatriz Milhazes Gemälden und Skulpturen, die bei Pace High- und Low-Culture vermischen, und Masaomi Yasunagas experimenteller Keramik in der Lisson Gallery, beide in Manhattan, bis hin zu Aaron Currys farbenfrohen Skulpturen, die sich an Meister der Moderne in der David Kordansky Gallery in LA orientieren, sind dies die nicht zu verpassenden Werke. Shows, die Sie diesen Monat verpassen sollten.

Beatriz Milhazes, Cirandinha, (2022). Foto: Mit freundlicher Genehmigung der Pace Gallery

Die brasilianische Künstlerin Beatriz Milhazes arbeitet mit einer Vielzahl ästhetischer Stile und vermischt in ihren farbenfrohen, collagierten Gemälden, Arbeiten auf Papier und Installationen Hoch- und Niedrigkultur – bildende Kunst und Volkshandwerkstraditionen. Die in Rio de Janeiro lebende Künstlerin, die vor allem für ihre kraftvollen, großformatigen Abstraktionen bekannt ist, die sie seit den 1980er Jahren ausstellt, verwendet 2017 wieder figurative Elemente in ihre Arbeiten. Infolgedessen sind Verweise auf die Natur wie Blumen, Bäume, Wasser, Sterne und Sonnen sind in den jüngsten Gemälden, die in ihrer ersten Ausstellung bei Pace seit ihrem Eintritt in die Galerie im Jahr 2020 zu sehen sind, ebenso deutlich zu erkennen wie Muster, Streifen und geometrische Formen. Die Ausstellung markiert auch Milhazes erste New Yorker Einzelausstellung seit fast einem Jahr ein Jahrzehnt.

Inspiriert von den kreativen brasilianischen Bewegungen Antropofagia (die Kannibalisierung anderer Kulturen) und Tropicália (eine Verschmelzung brasilianischer Traditionen und ausländischer Stile) fängt der Künstler die Farben und Formen von Rios blauem Himmel, sonnigen Stränden, üppigen Gärten und dem Barock ein Architektur durch zehn lebhafte Leinwände in Paces Galerie im zweiten Stock, während sie den Geist der legendären Karnevalsfeier ihrer Heimatstadt mit einer sensationellen Blumenskulptur kanalisiert, die von der hohen Decke des Raums im siebten Stock der Galerie hängt.

Bis 29. Oktober

Masaomi Yasunaga, Verschmolzene Gefäße, (2021). Foto: Mit freundlicher Genehmigung der Lisson Gallery

Bei seinem New Yorker Ausstellungsdebüt präsentiert der avantgardistische japanische Keramikkünstler Masaomi Yasunaga eine Form der Keramikskulptur, die in der Stadt oder an vielen Orten außerhalb Japans selten zu sehen ist. Er rebelliert gegen traditionelle Töpfertechniken aus Japan und verwendet Glasur anstelle von Ton als primäres Baumaterial. Auf einem Handrad aufgebaute Spule, die Glasur wird mit Rohstoffen wie Steinen, gesteinsbildenden Mineralien, Metall- und Glaspulvern kombiniert und dann in Schichten aus Sand oder Kaolin (einem weichen weißen Ton) vergraben, um im Ofen gebrannt zu werden. Sobald er aus dem Ofen genommen wird, werden seine ursprünglichen skulpturalen Formen wie archäologische Funde aus ihren Schichten ausgegraben.

Yasunaga, der einst die Asche seiner Großmutter mit Glasur vermischte, um eine Anordnung aus weißen Porzellanurnen zu schaffen, um seine Gedanken und Erinnerungen an sie zu kristallisieren, zeigt mehr als 50 experimentelle Gefäße, die auf einem langen Kiesfundament ausgestellt sind, das sich über die gesamte Länge der Galerie erstreckt. Er schafft Schönheit in seiner reinsten, primitivsten Form.

Bis 15. Oktober

Omar Ba, Right of Soil – Right to Dream #1, (2022). Foto: Mit freundlicher Genehmigung von Templon

Omar Ba, ein aufstrebender Stern in der aufstrebenden zeitgenössischen afrikanischen Kunstszene, hat in den letzten Jahren seine Zeit zwischen Dakar, Genf, Paris, New York und Brüssel verbracht, wo er derzeit ein Atelier hat. In seiner aufstrebenden Praxis entwickelt Ba eine kosmopolitische Sichtweise auf Afrika und die schwarze Gemeinschaft, die durch seine hochentwickelte Perspektive gefiltert wird. Frisch von einer Übersichtsausstellung in den Königlichen Museen der Schönen Künste Belgiens und auf dem Weg zu einer Einzelausstellung im Baltimore Museum of Art im November, hat der Künstler den New Yorker Außenposten der ehrwürdigen Templon-Galerie mit einer Reihe kraftvoller Gemälde eröffnet, die darauf abzielen, neu zu schreiben Afrikanische Geschichte und Ungerechtigkeiten beseitigen.

Der Künstler beginnt seine auf Leinwand und Karton gemalten Gemälde mit der Schwärzung des Untergrunds und entwickelt aus der Dunkelheit heraus seine Figuren auf der Oberfläche, mit durchsetzungsstarkem Pinselstrich und eindringlicher Bildsprache. Er vermischt das Persönliche mit dem Politischen, arbeitet anhand von Fotografien von Familie und Freunden und kommentiert dabei koloniale Unterdrückung, Fragen der Einwanderung sowie Themen wie Chaos, Zerstörung und Diktatur. Inspiriert von der panafrikanischen Philosophie und der Black Lives Matter-Bewegung verbindet Ba traditionelle afrikanische Folklore mit globaler Symbolik, um einen verlockenden Raum des Optimismus für diejenigen zu schaffen, die bereit sind zu träumen.

Bis 29. Oktober

Sheree Hovsepian, Model, (2022). Foto: Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und der Rachel Uffner Gallery

Sheree Hovsepian verwischt die Grenze zwischen Abstraktion und Figuration und mischt figurative Fotografie mit gefundenen und konstruierten Elementen in verschiedenen Materialien, um zeitgenössische Bilder mit einem modernistischen Touch zu entwerfen. Die in Iran geborene und in den USA ausgebildete Künstlerin fotografiert Details ihres nackten Körpers, ihrer kultivierten Blumen und praktischer Gegenstände in ihrem Atelier (z. B. einen Fadenknäuel oder eine Rolle Klebeband) und setzt die Teile zu Fotomontagen zusammen aus geschnittenem Holz, genagelten Schnüren und geformter Keramik auf schwarzem Samtgrund, um poetische Bilder zu schaffen, die voller Sinnlichkeit und doch gleichermaßen zum Nachdenken anregen.

Als eine der herausragenden Künstlerinnen in Cecilia Alemanis fesselnder Ausstellung „The Milk of Dreams“ auf der 59. Biennale von Venedig hat Hovsepian ihre Praxis in ihrer ersten Einzelausstellung mit der Rachel Uffner Gallery auf neue Arbeitsweisen ausgeweitet. Sie fertigt Schwarz-Weiß-Zeichnungen mit der Tinte an, die für die digitale Entwicklung von Fotoabzügen verwendet wird, und konstruiert handgefertigte Keramikskulpturen, die in einer Farbpalette glasiert sind, die ihren in Schwarz, Weiß und Braun gerahmten Fotomontagen ähnelt, und so für harmonische Ruhepunkte zwischen sich sorgt visuell komplexere Stücke und öffnet gleichzeitig die Tür zu neuen Möglichkeiten für ihren einzigartigen Stil der performativen Kunst.

Bis 5. November

Sara Anstis, Die Jagd, (2022). Foto: Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und Kasmin

Sara Anstis nutzt die Mythologie für eine femininere Interpretation und schafft traumhafte figurative Ölgemälde und eindringliche sanfte Pastelle auf Papier, die nackte junge Frauen zeigen, die bezaubernd mit der Natur kommunizieren. Die in Stockholm geborene und auf einer kleinen Insel in Kanada aufgewachsene in London lebende Künstlerin konstruiert surreale Szenarien mit kargen Landschaften und verspielten Kreaturen, die ihre Femme Fatales durchqueren sollen. Anstis, die seit 2019 international ausstellt, nach fast einem Jahrzehnt des Studiums, gibt ihr New Yorker Einzelausstellungsdebüt mit so starken, psychologischen Gemälden und Arbeiten auf Papier, dass wir davon ausgehen, in den kommenden Jahren weitere ihrer fesselnden Kunstwerke zu sehen.

Bis 29. Oktober

Robert Burnier, Silent as Stars in the Night, (2022). Foto: Mit freundlicher Genehmigung von the art und Andrew Rafacz

Der Chicagoer Bildhauer Robert Burnier, der nächste Woche auf der Frieze London gleichzeitig eine Einzelausstellung in Südafrika und neue Werke mit zwei Galerien präsentiert, ist eindeutig in Fahrt. Burnier konstruierte skurrile, an der Wand montierte Abstraktionen aus rohen Metallblechen, die mit der Palette afrikanischer, mediterraner und mesopotamischer Artefakte besprüht wurden, und ist seit langem von der erhabenen Natur von Farbe und Form fasziniert. Mit Zangen, Holzbrettern und reiner Muskelkraft formte der kraftvolle Künstler die minimalistischen Kunstwerke in seiner Einzelausstellung bei Andrew Rafacz. Er faltete, wickelte und drehte das haltbare Metall um, um komprimierte Formen zu schaffen, die in seiner präzisen Zusammenfassung zusammengefasst sind , „die Geschichte ihres eigenen Werdens bewahren“, was eine sehr menschenähnliche Entwicklungsmethode ist.

Bis 29. Oktober

Patrick Martinez, Parkplatzlandschaft, (2022). Foto: Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und der Charlie James Gallery

Unter Berücksichtigung seines Lebens und seiner Heimatstadt als frischgebackener Vater hat der in Los Angeles lebende Künstler Patrick Martinez ein ansprechendes Werkwerk konzipiert, das in die Zukunft blickt und darüber nachdenkt, wie seine Familie in die sich verändernde Stadtlandschaft passen könnte, während er gleichzeitig einen Blick zurück auf seine eigene Kindheit wirft Pasadena und das San Gabriel Valley. Martinez schafft Gemälde und Skulpturen, die die Wandgemälde, Beschilderungen und strukturierten Wände des hispanischen Viertels im Osten von Los Angeles widerspiegeln, und stellt die lebendigen Bilder der Werbung von Tante-Emma-Läden und Latino-Restaurants sowie die verblassenden Wände von Schulen und Gemeindezentren nach.

Der fantasievolle Künstler trägt auf der Oberfläche seiner Gemälde alles von Stuck, dekorativen Keramikfliesen und Vinylbannern bis hin zu Streifen aus Neon- und LED-Schildern auf und verwendet die exakten Elemente und animierten Farben, um den Geschmack der verblassenden Orte und alternden Aspekte eines Reiches einzufangen das ist täglich von Gentrifizierung bedroht. Es ist bekannt, dass Immobilienentwickler bald folgen werden, sobald Künstler einem Viertel Aufmerksamkeit schenken. Indem er aus dem, was er jetzt sieht, Kunst macht, wird es für seine Kinder und sogar spätere Generationen sicherlich etwas geben, an das sie sich erinnern können.

Bis 22. Oktober

Aaron Curry, Blue Thing (Sitzende Figur), (2022). Foto: Lee Thompson; Mit freundlicher Genehmigung der David Kordansky Gallery

Der in großem Umfang ausgestellte und gesammelte Künstler Aaron Curry stellt zusammen mit David Kordansky aus, seit er 2005 seinen MFA am Art Center College of Design im nahegelegenen Pasadena erworben hat. Der in Los Angeles lebende Bildhauer und Maler kehrt für seine vierte Einzelausstellung in die Galerie zurück präsentiert eine neue Gruppe bemalter Aluminiumskulpturen, die groß genug sind, um auf dem Boden oder aufrecht im Freien zu stehen, und klein genug, um auf mittelgroßen Sockeln zu ruhen. Die verspielten Stücke sind karikaturistische Charakterisierungen, die sich an Größen des Mediums wie Alexander Calder, Joan Miró und David Smith orientieren. Sie verwenden industrielle Konstruktionen und imitieren diese gleichzeitig mit gut platzierten Nieten und ausgeschnittenen Signaturen.

Ausgehend von Skizzenbuchzeichnungen, die der Künstler dann digital rendert, entwickeln sich die Skulpturen zu Papiermodellen, bevor sie als fabrizierte Kunstwerke maßstabsgetreu vergrößert werden. In lebendigen Farben bemalt und mit hervorgehobenen Elementen versehen, die die Stücke hervorstechen lassen, sind Currys komisch raffinierte Werke eine Hommage, auch wenn sie sich über die modernistischen Meister lustig machen, die er so offensichtlich bewundert.

Bis 22. Oktober

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